Thérèse et Isabelle, de Violette Leduc (1954)

Thérèse et Isabelle (couverture)Thérèse et Isabelle raconte la passion brûlante et éphémère entre les deux héroïnes éponymes, toutes deux pensionnaires dans un collège. Ce texte de 1954 fut publié par Gallimard en 1966 dans une version censurée et ce n’est qu’en 2000 que l’éditeur le publia dans son intégralité.
Violette Leduc s’inspira fortement de sa propre expérience pour écrire le court texte qu’est Thérèse et Isabelle (comme pour tous ces autres romans d’ailleurs) car elle a connu, au cours de ses années collège dans les années 1920, deux passions, l’une avec une autre pensionnaire, Isabelle, l’autre avec une surveillante, Hermine (ce qui causa son renvoi).

L’écriture est précieuse, les mots sont précis et les phrases ciselées. Il est presque inattendu de trouver ce langage parfois quelque peu désuet parlant de passion charnelle et de l’union des corps. Mais l’écriture est également crue et parle de l’amour physique sans fausse pudeur. Violette Leduc raconte l’homosexualité féminine et le plaisir féminin avec beaucoup de sensualité. Il y a de la douceur entre les deux filles, mais aussi une impatience fiévreuse parfois brutale.

Le texte est très court et c’est là son seul défaut. Il ne faut pas le lire pour ses personnages que l’on connaît finalement assez peu. Il ne se perd pas en description sur les protagonistes, mais s’attache à raconter la naissance, puis la découverte de l’amour physique, du corps de l’autre ainsi que l’attente fébrile entre deux retrouvailles.

Thérèse et Isabelle est un texte intense, à la fois poétique (le texte est parsemé de métaphores autour des fleurs notamment) et explicite, et peut-être l’un des premiers à parler sans fard de l’homosexualité féminine. Quant à Violette Leduc, elle est vraiment une autrice que je veux découvrir plus en avant. Dans ma ligne de mire : La Bâtarde et Ravages (et une relecture de L’Asphyxie qui ne m’a pas laissé de grands souvenirs…).

« Nous avions créé la fête de l’oubli du temps. Nous serrions contre nous les Isabelle et les Thérèse qui s’aimeraient plus tard avec d’autres prénoms, nous finissions de nous étreindre dans le craquement et le tremblement. Nous avons roulé enlacées sur une pente de ténèbres. Nous avons cessé de respirer pour l’arrêt de vie et l’arrêt de mort. »

« Elle attendait : c’est ainsi qu’elle m’apprit à m’ouvrir, à m’épanouir. La muse secrète de mon corps c’était elle. Sa langue, sa petite flamme, charmait mon sang, ma chair. Je répondis, je provoquai, je combattis, je me voulus plus violente qu’elle. »

Thérèse et Isabelle, Violette Leduc. Gallimard, coll. Folio, 2000 (1954 pour l’écriture du roman, 1966 pour la version censurée). 142 pages.

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Belle du Seigneur, d’Albert Cohen (1968)

Belle du Seigneur (couverture)Genève, 1935. Ariane, femme d’un petit bureaucrate, gentil mais ennuyeux, aime Solal. Mais peuvent-ils garder leur amour toujours au sommet ? Peuvent-ils préserver leur passion de l’usure du quotidien ?

Voilà une critique que je ne peux garantir sans spoiler. Pourquoi ? Parce que Belle du Seigneur est un livre que je lis depuis plus d’un an. J’ai lu une bonne partie par petits bouts et il était abandonné depuis un moment quand je l’ai repris début mai. Et là, surprise, j’ai dévoré les six cents pages restantes en quelques jours, il m’a tellement captivée que j’ai hésité à le reprendre du début (mais finalement, non, quand même pas, parce que je m’en souvenais relativement bien et parce que je n’allais jamais m’en sortir si je faisais cela). Du coup, mes souvenirs sont beaucoup plus frais sur la seconde moitié du roman, je suis bien plus imprégnée de cette partie-là. D’où le risque de spoilers.

Je ne sais encore que penser de Belle du SeigneurJ’ai été happée par ce roman qui m’a captivée tout en me faisant beaucoup gamberger (et pas forcément à des choses positives, comme la fin d’un couple, la fin de l’amour, la fin du désir). Mais il m’a aussi irritée.

Belle du Seigneur raconte la séduction, la passion, l’exaltation des rendez-vous toujours trop rares, la fébrilité des préparatifs, puis la fin de la passion causée par l’habitude. Raconte comment, vivant ensemble chaque jour et presque chaque minutes, les amants se lassent, remarquent les défauts de l’autre, cessent de se désirer sans pour autant oser se l’avouer. En manque de social, en manque des autres, les amants s’entre-déchirent lentement, contraints de regarder leur amour se déliter jour après jour dans les rituels du quotidien tout en jouant « cette pauvre farce de leur amour, de leur pauvre amour dans la solitude ».

« Et le pire, c’était qu’il chérissait cette malheureuse. Mais ils étaient seuls, et ils n’avaient que leur amour pour leur tenir compagnie. »

La judaïté et la montée de l’antisémitisme sont très présentes dans ce roman, notamment dans la seconde partie (ou peut-être dans tout le roman comme mes souvenirs du début sont un peu altérés). Solal est constamment blessé par les paroles des gens (ces « heureux », ces « préservés » comme il les appelle) approuvant Hitler, rejetant tout sur les Juifs et par les graffitis haineux sur les murs de Paris. Il se sent parfois honteux et en mal d’amour, mais il est tout de même fier de sa religion et de son peuple qu’il aime et exalte dans de longs discours (il perd d’ailleurs son emploi en s’élevant contre les pays qui refusent de donner l’asile aux Juifs allemands persécutés). Dans ces passages-là, j’ai vraiment eu l’impression que Solal était Albert Cohen (par contre, je ne connais rien de l’auteur, donc je ne me lancerais pas dans une thèse à ce sujet, c’est seulement une sensation).

C’est un livre lent – l’intrigue évolue peu : une histoire d’amour, une passion adultère suivie au jour le jour – mais aussi extrêmement bavard. Ce sont d’ailleurs ces bavardages qui ont ainsi captivés mon attention : nous sommes sans cesse plongés dans les pensées – anarchiques, précipitées, se bousculant sans cesse, passant du coq à l’âne – des protagonistes, ce qui donne lieu à de longs monologues sans point (et parfois sans virgule) sur des pages et des pages.
Si Solal est souvent désabusé, si Ariane est souvent exaltée, j’ai particulièrement aimé le bavardage incessant de la vieille Mariette, bonne, femme à tout faire, ancienne nourrice d’Ariane. Un avis sur tout et tout le monde, une prononciation parfois approximative (« water causette », « chasse » pour « sache », etc.), un regard plus lucide qu’Ariane sur Solal ou Adrien, du bon sens. Il y a toujours beaucoup d’humour dans ses soliloques, notamment lorsqu’elle détaille les rituels risibles des deux amants pour ne pas se voir en cas d’imperfection (si pas baignés, si pas rasé, si pas habillés).

Les personnages ne sont pas particulièrement attirants non plus. Je suis partagée à leur sujet également. Je ne peux pas vraiment dire que je me suis attachée à eux même s’ils m’ont parfois amusée ou émue. Certes, ils sont terriblement humains, mais ils sont aussi terriblement agaçants. Ariane, parfois horriblement naïve et innocente, parfois exigeante et méprisante (sa fortune lui en donnant apparemment le droit). Adrien Deume, Didi, falot, paresseux, ambitieux, ridicule, vaniteux. Solal des Solal, boudeur, capricieux, jaloux, n’aimant que des belles femmes mais les haïssant de l’aimer pour sa beauté et ses « babouineries » de mâle dominant. Tous égoïstes, se regardant sans cesse vivre. Albert Cohen se moque aussi d’Antoinette Deume, tante et mère adoptive d’Adrien. Il raille son snobisme de petite bourgeoise, ses fiertés, ses prétentions, sa prétendue dévotion, ses mesquineries.
J’ai souvent éprouvé le désir de claquer Solal et de secouer Ariane, de leur montrer la vie qu’ils pourraient avoir si lui cessait de courir après son ancien poste, si elle laissait une place au naturel dans leur vie, s’ils vivaient, tout simplement ! Certains passages sont tellement absurdes qu’ils me laissaient bouche bée et sifflante d’exaspération.
L’histoire se passe dans les années 1930, il faut remettre cela en perspective, mais j’exècre la misogynie qui se dégage de ces pages. La façon dont Solal finit par traiter Ariane, son « Ariane qu’il chérissait toujours plus, qu’il désirait toujours moins et qui tenait à être désirée, qui estimait sans doute qu’elle en avait le droit », ainsi que sa manière à elle de s’aplatir devant lui, de se complaire à être sa chose, son esclave. La relation entre les deux est inégale depuis le début et Ariane n’a jamais réellement son mot à dire. Extrêmement irritant également, elle esclave de la perfection : toujours être belle, toujours élégante, courant chaque jour chez le tailleur, ne jamais être vue « humaine », ne jamais se moucher devant lui, ne jamais bailler, ne jamais aller aux toilettes, toujours être parfaite.

Belle du Seigneur, un roman-fleuve de 106 chapitres, une tragédie moderne, une comédie corrosive, un monument littéraire qui me laisse partagée, incapable de trancher entre la fascination envers la plume d’Albert Cohen et l’irritation envers les personnages et la misogynie latente. Une lecture atypique que je n’oublierai clairement pas de sitôt.

Belle du Seigneur (coffret)

« Cette animale adoration, le vocabulaire même en apporte des preuves. Les mots liés à la notion de force sont toujours de respect. Un « grand » écrivain, une œuvre « puissante », des sentiments « élevés », une « haute » inspiration. Toujours l’image du gaillard de haute taille, tueur virtuel. Par contre, les qualificatifs évoquant la faiblesse sont toujours de mépris. Une « petite » nature, des sentiments « bas », une œuvre « faible ». Et pourquoi « noble » ou « chevaleresque » sont-ils termes de louange ? Respect hérité du Moyen Âge. Seuls à détenir la puissance réelle, celle des armes, les nobles et les chevaliers étaient les nuisibles et les tueurs, donc les respectables et les admirables. Pris en flagrant délit, les humains ! Pour exprimer leur admiration, ils n’ont rien trouvé de mieux que ces deux qualificatifs, évocateurs de cette société féodale où la guerre, c’est-à-dire le meurtre, était le but et l’honneur suprême de la vie d’un homme ! Dans les chansons de geste, les nobles et les chevaliers sont sans arrêt occupés à tuer, et ce ne sont que tripes traînant hors de ventre, crânes éclatés bavant leur cervelles, cavaliers tranchés en deux jusqu’au giron. Noble ! Chevaleresque ! Oui, pris en flagrant délit de babouinerie ! A la force physique et au pouvoir de tuer ils ont associé l’idée de beauté morale ! »

« Leur pauvre vie. Parfois le recours aux méchancetés forcées, sans nulle envie d’être méchant, mais il fallait mouvementer leur amour, en faire une pièce intéressante, avec rebondissements, péripéties, réconciliations. Recours aussi aux imaginations jalouses pour la désennuyer et se désennuyer, pour faire du vivant, avec scènes, reproches et coïts subséquents. Bref, la faire souffrir pour en finir avec ses migraines, ses somnolences après dix heures et demie du soir, ses bâillements poliment mordus, et tous les autres signes par lesquels son inconscient disait sa déception et sa révolte contre les langueurs d’un amour sans plus d’intérêt, un amour dont elle avait tout attendu. Son inconscient, oui, car de tout cela elle ne savait rien. Mais elle en devenait malade, douce esclave exigeante. »

Belle du Seigneur, Albert Cohen. Gallimard, coll. Folio, 2011 (1968 pour l’édition originale). 1109 pages.

Sur les ailes du monde : Audubon, par Fabien Grolleau (textes) et Jérémie Royer (dessin) (2016)

Sur les ailes du mondes, Audubon (couverture)Sur les ailes du monde, Audubon se penche sur la vie de Jean-Jacques Audubon, ornithologiste enflammé et obstiné qui s’est lancé dans une entreprise titanesque : répertorier et dessiner tous les oiseaux d’Amérique. Mais parmi ses détracteurs, les éditeurs scientifiques qui trouvent ses dessins trop artistiques et pas assez académiques.

 

Moi qui ne connaissais Audubon que de nom (amusant que ce Français soit bien plus célèbre aux Etats-Unis que dans son pays d’origine), j’ai découvert un passionné. Un pur et dur. Un homme habité. Cette BD, bien qu’elle mêle la réalité et la fiction, m’a donné envie d’en apprendre davantage, de découvrir plus en avant la vie de cet explorateur un peu fou.

Ce n’est pas une biographie complète, de sa naissance à sa mort. A partir des récits qu’Audubon a fait de ses aventures, les auteurs se sont surtout focalisés sur sa quête, même s’ils nous donnent à voir quelques retours au monde civilisé. A sa passion, Audubon consacra ses économie, sacrifia sa vie de famille (bien que ce soit sa femme qui, comprenant la première la force de l’appel de la nature, l’invita à prendre la route).

Evidemment, le personnage n’est pas sans côtés sombres, voire parfois choquants. A commencer par la manière dont il s’y prenait pour dessiner les oiseaux : les tuer (les massacrer parfois) – peu importe s’ils sont rares – et les empailler avant de les immortaliser sur le papier. A l’instar de la terrible scène de la chasse aux bisons, il s’agit là d’une attitude difficile à concevoir de la part d’un amoureux de la nature de nos jours. Mais il ne faut pas oublier qu’Audubon a vécu deux cents ans avant nous et que l’approche à la nature n’était alors pas la même.

sur-les-ailes-du-monde-audubon-3Sur les ailes du monde, Audubon donne aussi à voir une Amérique qui change. Transition entre l’Amérique d’avant les colons et celle que l’on connaît. La nature est encore sauvage et omniprésente, mais ce n’est plus le monde vierge dans lequel les Amérindiens vivaient en totale harmonie avec elle. Les premières cicatrices infligées par les colons commencent à apparaître. Et une partie de la faune à s’éteindre.

 

Jérémie Royer m’a convaincue par ses dessins des oiseaux et de la nature. Magnifiques. On en prend plein les yeux avec ces créatures de toutes les couleurs et toutes les tailles possibles et imaginables. Grâce à ses illustrations, les animaux, la nature, le livre, tous respirent et vivent.

Certaines scènes sont magiques – celle de l’arbre aux hirondelles, celle, très onirique, du délire fiévreux… –, d’autres pleines d’émotions comme celle où sa femme l’invite à partir. On ressent la force de la passion d’Audubon en voyant son visage concentré, hypnotisé, lorsqu’il se retrouve face à une chouette qui lui rend son regard.

Un destin hors du commun, une passion dévorante, une balade poétique dans une Amérique qui n’est plus que fiction.

Audubon

« Jean Rabin, Fougère, Laforêt, Jean-Jacques Audubon, John James Audubon, l’homme aux multiples noms, aux multiples vies. Une existence complexe et aventureuse, riche d’histoires réelles, mais pas encore suffisamment riche pour celui qui les a vécues : sans doute en inventa-t-il une partie, enjolivant, modifiant, quelquefois de bonne foi, des pans de son histoire personnelle, oubliant même qu’il le faisait et sans doute finissait-il par croire lui-même à ses propres mensonges.

 L’histoire retient de lui un peintre ornithologique hors pair, un aventurier pionnier dans l’Amérique encore naissante, un écrivain et un des pères de l’écologie moderne américaine.

 Notre histoire s’inspire de sa vie, mais surtout de ses récits, pour en faire, à notre tour, une histoire inventée qui, nous l’espérons, retranscrira davantage une personnalité qu’une vérité historique. »

(Avant-propos de Fabien Grolleau)

Sur les ailes du monde : Audubon, Fabien Grolleau (textes) et Jérémie Royer (dessin). Dargaud, 2016. 183 pages.

Audubon

Whiplash, de Damien Chazelle, avec Miles Teller et J.K. Simmons (Etats-Unis, 2014)

Whiplash afficheWhiplash, c’est l’histoire d’Andrew, un jeune batteur qui intègre le Shaffer Conservatory, prestigieuse école de musique, et l’orchestre de Terence Fletcher, un despote exigeant le meilleur de ses élèves. Humiliations, souffrances physiques et psychologiques, coups bas, le chemin de l’excellence est douloureux.

Whiplash J.K. SimmonsLes deux acteurs principaux sont fabuleux. Miles Teller se donne à fond sur sa batterie (puisqu’il y effectue une bonne partie des séquences musicales, environ 70%) et confère à cet étudiant un portrait en mille nuances : tantôt décidé, tantôt accablé, tantôt honnête, tantôt prêt à tout pour être le meilleur. En face de lui, J.K. Simmons est Terence Fletcher. Crâne rasé, regard clair et glacial, il hurle ses injures avec ses tripes. Toutefois, derrière le tyran manipulateur, se cache une blessure, la perte d’un élève promis à une carrière exceptionnelle.

La réunion des deux est fantastique et terrible. Passant avec aisance d’une relation de confiance élève/professeur à un véritable combat, Whiplash Miles Tellerils nous coincent entre eux, nous étranglent, nous étouffent.

Jusqu’où peut-on aller dans la recherche de la perfection ? Celle-ci autorise-t-elle, nécessite-t-elle harcèlement moral et physique ? Damien Chazelle, à travers cette histoire autobiographique (bien que lui ait abandonné la batterie, traumatisé par un professeur), ne tombe pas dans les clichés. Pas de gentils et de méchants, la question est plus délicate. Réussite, dépassement de soi, souffrance, satisfaction, exigence, comment apporter une réponse tranchée ? A chacun de se faire une opinion…

Whiplash J.K. SimmonsEt, sans être une grande amatrice de jazz, ce film offre des séquences où l’on souhaiterait trépigner davantage, les mains se mettent à marquer le rythme, les pieds à tressauter. Ce n’est pas un film pour les spécialistes, tout le monde peut apprécier les morceaux joués, répétés encore et encore. Mais ceux qui « n’aiment pas le jazz » peuvent apprécier Whiplash.

Une grosse claque qui m’a collée au siège pendant près de deux heures. Ce film nous attrape et ne nous lâche plus. Alternant plans serrés sur les visages en souffrance, gros plans sur les instruments qui deviennent des objets magnifiques, Damien Chazelle nous fait ressentir les efforts et les douleurs des musiciens. Le sang ruisselle sur les baguettes, la sueur sur les fronts, le jazz est un sport. Une lutte. Parfois oppressante. Les quinze dernières minutes, haletantes, violentes, m’ont achevée.

Un des films les plus intenses de 2014. A voir, à écouter, à ressentir.

Whiplash Simmons et Teller

Mommy, de Xavier Dolan, avec Antoine-Olivier Pilon, Anne Dorval et Suzanne Clément (Canada, 2014)

Mommy (affiche)Évidemment, j’arrive après la bataille, j’ai pourtant vu Mommy, cinquième film de Xavier Dolan et deuxième film de l’année 2014, en avant-première. Bref, sans importance. Ce qui importe n’est pas quand, où j’ai découvert le film, mais bien ce bijou que j’ai déjà vu deux fois (la seconde fois, des détails sautent aux yeux, on attend des passages qui nous giflent à nouveau…)

Mommy (Anne Dorval et Antoine-Olivier Pilon)Steve est un adolescent souffrant d’un trouble de déficit de l’attention/hyperactivité (T.D.A.H.) et de l’attachement, agressif et violent en période de crise, ultra-possessif (et ainsi prêt à tuer sa mère pour qu’elle ne l’abandonne pas) et potentiellement dangereux. Renvoyé de l’institution où il avait été placé, sa mère, Die, se voit dans l’obligation de le reprendre avec elle. Une troisième personne va intervenir dans leur face-à-face explosif, Kyla, la voisine bègue.

Les acteurs sont tous incroyables et le trio fonctionne à merveille.

Mommy (Antoine-Olivier Pilon)Antoine-Olivier Pilon – que j’ai découvert dans le clip d’Indochine, College Boy, réalisé par Xavier Dolan, car sa brève apparition dans Laurence Anyways ne suffisait pas à parler d’une quelconque découverte – semble être un jeune homme parfaitement équilibré dans la vie et pourtant, il incarne un Steve avec une justesse déroutante. Tantôt insupportable gueule d’ange, tantôt insultant et violent, il a tout compris à ce personnage psychologiquement malade et très sensible. Encore une fois, comme avec Pierre-Yves Cardinal pour Francis (Tom à la ferme) ou Melvil Poupaud pour Laurence (Laurence Anyways), Xavier Dolan a su trouver l’acteur parfait pour le rôle.

Mommy (Anne Doval alias Die)Anne Dorval reprend le rôle de la mère. Un peu vulgaire, un peu adolescente attardée (les costumes en disent beaucoup) et souvent dépassée, mais combative et aimante, Diana « Die » Desprès est un nouvel aspect de cette figure qui traverse l’œuvre de Dolan. Ce n’est plus la Chantal Lemming de J’ai tué ma mère, kitsch, encore plus vulgaire et surtout manipulatrice et culpabilisante. Die est vraiment attachante malgré ses défauts et Anne Dorval est une nouvelle fois totalement géniale. Elle ne baisse jamais les bras, elle affronte l’adversité. La mort de son mari, son fils difficile, les problèmes d’argent, le chômage, elle affronte tout, juchée sur ses chaussures plateformes, le menton relevé. J’ai beaucoup d’admiration pour ce personnage et pour l’actrice.

 Mommy (Suzanne Clément alias Kyla)Après avoir interprété la flamboyante Fred de Laurence Anyways, Suzanne Clément avait le personnage le moins défini du trio. Kyla est habillée sans originalité, Kyla est silencieuse, Kyla ne révèle rien de sa vie. Et pourtant, grâce à Suzanne Clément, Kyla prend de l’épaisseur et de l’importance. Ses sourires timides, ses regards vers cet excentrique duo, ses bégaiements, ses changements dans la manière de se coiffer, son secret que l’on devine peu à peu bien qu’elle détourne sans cesse la conversation d’elle-même… autant d’éléments qui en font un personnage touchant et essentiel. Elle apporte un peu de calme au milieu des cris de Steve et Die (elle est même parfois frustrante par sa lenteur d’expression) et surtout, elle leur apporte un équilibre et une sérénité qui leur étaient impossible en tête-à-tête.

Mommy, malgré sa fin et son sujet, est un film lumineux. Poignant, dur parfois, mais également drôle. Le trio ne se laisse jamais abattre en dépit des épreuves et espère toujours. Ils ne se pleurent pas dessus, ce n’est pas « La vie est trop injuste… ».

Mommy (Anne Dorval et Suzanne Clément)Le format carré nous amène au plus proche des personnages, de leur souffle, de leur peau, de leurs yeux. Un geste ou un regard en dit parfois plus long que les mots. Sur une musique du « trésor national », la scène de la première soirée que Steve, Die et Kyla passent ensemble l’illustre bien : les mots ne veulent rien dire, tout passe dans les regards. Toutes les attentes, tous les espoirs des personnages… Cette scène est tout simplement incroyable, une des plus fortes du scénario.

Et cet incroyable moment sur la chanson Wonderwall d’Oasis justifiait à lui seul le format 1:1. Je ne veux pas trop en dire, mais Dolan introduit à cet instant une respiration qui libère aussi bien le personnage et le spectateur. Et c’est un véritable coup de génie.

Esthétiquement parlant, Mommy est vraiment un beau film, autant que Tom à la ferme était – volontairement – laid. Les lumières et les couleurs sont chaudes, la musique est magique comme toujours. Il y a vraiment une dynamique qui est également marquée par les dialogues aussi savoureux que d’habitude. Les mots, le rythme, la poésie au bon moment, l’écriture est magnifique.

 Mommy (Antoine-Olivier Pilon alias Steve)

Mommy, comment dire… c’est une véritable perle. Un film qui dit : la vie est dure, soit, alors battons-nous pour la rendre la plus belle possible. On passe du rire à la gorge nouée, Xavier Dolan sait trouver le bon dosage.

« Ça arrive pas dans la vie d’une mère qu’elle aime moins son fils. La seule chose qui va arriver, c’est que je vais t’aimer de plus en plus fort, et c’est toi qui vas m’aimer de moins en moins. »

 Mommy (Die, Steve et Kyla)

Les autres films de Xavier Dolan :

Tom à la ferme, de Xavier Dolan, avec Xavier Dolan, Pierre-Yves Cardinal, Lise Roy, Evelyne Brochu… (Canada, 2014)

Tom à la ferme (affiche)Des mois que je l’attendais, ce nouveau Dolan ! Depuis sa présentation à la Mostra de Venise en septembre 2013 en fait. Des mois passés à éviter toute image, toute bande-annonce ou, pire encore, toute critique. Je voulais arriver ignorante dans la salle de cinéma et c’est ce que j’ai fait.

Mon conseil : ne lisez rien de plus et aller voir Tom à la ferme !

Tom à la ferme (Lise Roy et Xavier Doaln)C’est vrai que je n’étais pas totalement ignorante, je connaissais l’histoire de manière vague : un jeune homme se rend dans la famille de son amant pour l’enterrement de celui-ci, mais là-bas personne ne sait qui il est réellement.

Voilà. C’était tout.

Et c’était parfait ! Ainsi arrivée sans présupposé, j’ai été surprise, ravie, perplexe, angoissée, soulagée (un peu), interpellée (de la même manière que j’ai été scotchée et émerveillée lorsque le « Serpent » du Black City Tour d’Indochine s’est déroulé autour de moi pour la première fois après avoir passé deux mois à éviter comptes rendus et vidéos).

Pour ce qui est de la forme, Tom à la ferme ne ressemble pas aux précédents films de Dolan. Ce thriller psychologique semble annoncer un nouveau Dolan. Il est sombre, tellement sombre alors que les précédents étaient colorés et lumineux. Austère alors que les précédents étaient flamboyants. Il est oppressant ; le talentueux Xavier Dolan sait faire fonctionner son huis-clos. Je me suis sentie encore plus claustrophobe qu’à l’ordinaire pendant une heure quarante. Hitchcock est là.

Tom à la ferme (Pierre-Yves Cardinal)Si l’ombre d’Alfred Hitchcock plane évidemment sur ce film par la forme (la scène de la douche…), on la ressent également dans la musique. La musique est pour moi l’un des éléments qui confirment qu’il s’agit bel et bien d’un Dolan. Elle a toujours été une sorte de personnage supplémentaire tant elle est adaptée et merveilleusement bien choisie. Jusqu’alors il s’agissait généralement de chansons avec des paroles : Noir désir de Vive la fête dans J’ai tué ma mère, Bang Bang de Dalida dans Les amours imaginaires, Fade to Grey de Visage dans Laurence Anyways ne sont que quelques exemples parmi tant d’autres. Dans Tom à la ferme, la musique se fait plus instrumentale, plus agressive aussi ; elle participe efficacement à l’enfermement de Tom et du spectateur dans cette ferme de rednecks canadiens.

Si la forme diffère du tout au tout, même s’il s’agit en premier lieu d’un film sur les différences et l’intolérance, sur la mort également, on retrouve finalement un peu le thème de l’amour impossible (mais est-ce si surprenant alors que ce thème est finalement majeur dans les arts quels qu’ils soient ?). Cependant, il est abordé ici d’une manière totalement différente, plus malsaine et ambigüe. Au programme : deuil amoureux, jeux de rôles, dissimulation, violence, fascination et syndrome de Stockholm. 1h42 de tension et de drame et des jours pour en revenir !

La forme diverge des trois premiers films, mais Tom à la ferme a toute la rigueur des précédents. Xavier Dolan ne lâche rien et examine tout du jeu des acteurs à la lumière en passant par les costumes et le montage. On ne peut toutefois lui trouver la même beauté ; tout est volontairement laid. Les décors sont misérables, les champs sont tristes, les couleurs sont ternes, nous ne sommes plus dans l’univers fulgurant et coloré de Laurence Anyways. Cela ne rend la situation que plus oppressante…

Tom à la ferme (Lise Roy)Dans cette histoire (qui exceptionnellement n’est pas du multi casquette Xavier Dolan puisqu’il s’agissait à l’origine d’une pièce de théâtre de Michel Marc Bouchard), Tom retrouve son amant sous les traits du frère de celui-ci, Francis. L’arrivée de Tom, ce jeune publicitaire montréalais aux cheveux blonds oxygénés, dans un coin perdu du Québec va bouleverser le quotidien de Francis ; c’est également une réflexion sur les citadins et les provinciaux, les différences entre « rats des villes et rats des champs » comme dirait La Fontaine, sur le calvaire d’un homosexuel dans une région arriérée.

Cet éleveur de bovins qui vit seul avec sa mère est présenté comme une brute, un monstre, et fait vivre un véritable enfer à Tom. Le talent de Xavier Dolan est cependant de nous amener à réfléchir sur le passé et l’histoire de ce personnage et finalement à ressentir de l’empathie pour lui, à comprendre le poids des remords, de la différence, des non-dits… Même s’il nous met des coups en pleine figure, Francis parvient à nous émouvoir. Félicitations à Pierre-Yves Cardinal, l’interprète de Francis (qui est vraiment sympathique en vrai !)

J’ai vraiment aimé que tout ne soit pas explicité, que l’homosexualité soit finalement plus sous-entendue que réellement évoquée. Nous sommes appelés à faire travailler nos méninges et notre imagination pour comprendre la vie et les souffrances des différents protagonistes.

Tom à la ferme (Evelyne Brochu)

Tom à la ferme est un choc visuel, auditif, émotionnel et intellectuel. C’est une perle qui restera gravée en moi avec les autres films de ce réalisateur de génie qui fait déjà partie des plus grands.

Si vous ne savez pas ce qu’il vous reste à faire, je ne peux plus rien pour vous.

 

J’attends avec impatience Mommy. Dans ce cinquième film jouera Antoine-Olivier Pilon, l’acteur du clip College Boy ; on retrouvera également les géniales Suzanne Clément et Anne Dorval absentes dans Tom à la ferme (et dans Laurence Anyways pour Anne Dorval).

Et pour patienter, je me demande si je ne vais pas retourner voir Tom et Francis…

Tom à la ferme (Xavier Dolan)

Une phrase qui est dans la pièce, mais pas dans le film :

« Avant d’apprendre à aimer, les homosexuels apprennent à mentir. »

Tom à la ferme 7

Les autres films de Xavier Dolan :

Laurence Anyways, de Xavier Dolan, avec Melvil Poupaud, Suzanne Clément, Nathalie Baye, Monia Chokri… (Canada, France, 2012)

Laurence Anyways 1Après J’ai tué ma mère et Les amours imaginaires, Xavier Dolan revient avec une nouvelle pépite qui confirme son grand, grand talent.

En 1989, Laurence Alia (« alias » en latin signifie « autre, différent ») annonce à sa petite amie, Fred Belair, qu’il veut devenir une femme, qu’il va rendre sa vie à celle qu’il est né pour être. Le film suit pendant dix ans, jusqu’à l’aube du nouveau millénaire, le parcours de ces deux personnages et leurs efforts pour préserver leur amour malgré les épreuves qu’ils traversent.

Ce n’est pas un film sur la transsexualité. Evidemment, nous voyons Laurence changer physiquement, on sait qu’il prend des hormones, mais il n’y a pas vraiment de détails précis sur comment on change de sexe. C’est plus un prétexte, un contexte. Pour moi, c’est un film sur un amour impossible, thème que je vois dans les trois films de Dolan (entre la mère et le fils dans J’ai tué ma mère, avec ce couple à trois dans Les amours imaginaires). On les voit heureux au début du film avant que Laurence exprime sa volonté de changer de sexe, décider de faire ça ensemble, se séparer, se retrouver, se revoir, plus loin l’un de l’autre à chaque rencontre, plus différents malgré leur amour qui ne disparaît jamais. Monia Chokri disait que c’était un film sur les décisions que l’on prend dans sa vie, à l’âge adulte, pour être heureux, décisions qui viennent parfois interférer avec la relation amoureuse.

Laurence Anyways 5

Il traite aussi de la marginalité et de la différence qui ne sont pas toujours facilement acceptées. Laurence se fera tabasser, ils devront endurer les regards et les remarques des gens et dépasser les préjugés.

Xavier Dolan – qui est sur tous les fronts, de la réalisation au scénario, des costumes au montage – est considéré comme un jeune prodige. C’est carrément vrai. Ça devrait être interdit d’être si doué ! On le dit prétentieux, je ne sais pas, ça ne m’intéresse pas. Je pense qu’il est très cultivé, très intelligent (j’aimerais avoir un quart de ses capacités). Il a foi en ce qu’il fait et il veut être respecté, ce à quoi il a mille fois droit. A 23 ans, réaliser un film aussi puissant, aussi fort que Laurence Anyways, c’est vraiment la preuve d’un immense talent.

L’histoire, les acteurs, les couleurs, la musique, tout est à couper le souffle. Comme les deux précédents, Laurence Anyways jouit d’une bande-son entraînante et surtout qui colle incroyablement bien avec les émotions, la situation dans laquelle sont placés les personnages. The Cure, Brahms, Tchaikovsky, Duran Duran, Beethoven…

C’est de la poésie. C’est véritablement de l’art. La beauté des plans, des couleurs, la beauté des corps (Fred au Cinébal est montrée presque comme une œuvre d’art).

Il y a des moments terriblement intenses. Quand Laurence hurle à Fred qu’il va mourir (qu’il va mourir en tant qu’homme, qu’il ne vit pas pour de vrai). Quand Laurence arrive maquillé en jupe et talons hauts devant sa classe médusée. Quand Fred sombre. Je ne veux pas tout révéler, je m’arrête donc ici.

 Laurence Anyways 3

Je ne connaissais pas Melvil Poupaud (uniquement de nom) et il m’a complètement bluffé dans ce rôle. Il est totalement crédible. Il est touchant, par ses sourires et clins d’œil comme par ses larmes, par sa détermination comme par son rapport au regard des autres, par sa volonté comme par ses faiblesses. Il est jeune alors qu’il a environ 35 ans au début du film, Xavier Dolan insuffle de sa jeunesse à ses personnages.

Suzanne Clément donne corps à une Fred pleine de feu et de vie, une espèce de tornade fantasque qui finit malheureusement par s’assagir. Même si Fred me déçoit un peu par le fait qu’elle retourne à une vie « normale », on la comprend, on comprend ce qu’elle endure, on comprend qu’elle pète les plombs (comme dans cette scène au resto où elle insulte la serveuse) et on admire la détermination qu’elle met à comprendre et à rester avec Laurence, pour préserver leur amour.

Nathalie Baye est parfaite dans le rôle de la mère qui surmonte rapidement sa contrariété par amour pour son fils (« – Alors tu m’aimeras toujours ? Mais tu te transformes femme ou tu te transformes en con ? »). C’est vers elle que se tourne Laurence dans un mouvement presque enfantin, mais émouvant. Leur relation inexistante au départ – elle dira même « Je n’ai jamais eu l’impression que tu étais mon fils » – se construit peu à peu avec le changement de Laurence – « Par contre, j’ai l’impression que tu es ma fille. »

Monia Chokri – Stef, la sœur de Fred – a laissé derrière elle le look « vintage » qu’elle arborait dans Les amours imaginaires, mais pas son ironie cinglante. Ses remarques lorsqu’elle accompagne sa sœur dans le magasin de perruques sont hilarantes. Elle est géniale. Elle ne sera apparemment pas dans le prochain film de Xavier Dolan, Tom à la ferme (elle n’est pas notée parmi le casting). Dommage.

Laurence Anyways 4Il a créé une vraie petite famille : on retrouve en outre Magalie Lépine-Blondeau (Charlotte et qui jouait dans Les amours imaginaires), Manuel Tadros (le père de Dolan qui jouait également un concierge dans J’ai tué ma mère), Anne Dorval (qui apparaît juste deux secondes et qui était dans les deux autres), Patricia Tulasne (la mère d’Antonin dans J’ai tué ma mère), Monique Spaziani (J’ai tué ma mère), etc.

On regrette un peu Xavier Dolan l’acteur puisque c’est le premier film qu’il réalise et dans lequel il ne joue pas. Mais ! Petit caméo : on a le plaisir de l’apercevoir deux secondes parmi une foule d’invités. Je ne crois pas non plus me tromper en disant que l’on entend sa voix à la fin disant « C’est bon pour moi ».

Bref. C’est un film vertigineux, ambitieux et réussi qui passe trop vite. Laurence nous manque, on ne veut pas le quitter, on ne veut quitter aucun film de Xavier Dolan.

Ces films me hantent, me restent en tête pendant des heures, des jours et me coupent l’envie d’en voir d’autres.

Tom à la ferme, adapté d’une pièce de théâtre de Michel Marc Bouchard, sortira prochainement et ce sera certainement un nouveau bijou. Où l’on retrouvera Xavier Dolan également en tant qu’acteur.

La première phrase :

« Je voudrais que l’on se penche un peu, non pas sur les droits et l’utilité des marginaux, mais sur les droits et l’utilité de ceux qui se targuent d’être normaux. »

Laurence Anyways 2

Les autres films de Xavier Dolan :